Somewhere: la cuarta de Sofía Coppola

Hablar del cine de Sofía Coppola siempre ha sido para mi esculcar en un estado catatónico de autentico disfrute ante la propuesta de una directora que transmite su sello personal. Sus películas son una constante de introspección y aislamiento por parte de sus siempre perdidos personajes, así como de su sutil manejo de lo visual y sonoro como parte importante de la experiencia sensorial.

Sin embargo, y a pesar de no alejarse por completo de sus predecesoras, Somewhere carece de ese "algo" que hizo que Lost in Traslation, e incluso Marie Antoinette, nos conquistarán sin mayor inconveniente. Esto se debe a que en esta ocasión, la historia, el lugar, los personajes y el ambiente austero transitan por una delgada línea en la que lo sutil e intimista pueden pasar a ser por momentos algo monótono, rígido y descolorido.

Sofía sigue siendo Sofía y esta sigue siendo una de sus películas. El sello personal esta ahí pero no cautiva ni genera el interés de las anteriores. Aún así la cuarta película de la Coppola debe ser vista por todo aquel que se precie de ser seguidor de esta gran directora.

Biutiful

Está claro que cualquiera que se disponga a ver una película de Alejandro González Iñárritu sabe perfectamente a lo que se expone. En cada uno de los filmes de su denominada Trilogía del dolor, mediante una estética sucia y una cámara inestable, este director nos mostró un mundo de historias complejas y viscerales, cargadas de emotividad y desolación. De aquellos tiempos en los que Iñárritu y Guillermo Arriaga lograron el aprecio del público y la crítica, destacan sobre todo Amores Perros, por ser la que inauguró un nuevo momento en el cine mexicano, y Babel, por la magnitud del proyecto y el acierto con el que fue realizado.

Ahora Iñarritu regresa sin Arriaga en una cuarta película donde nuevamente hace de las suyas, mostrando una mayor madurez en el uso del lenguaje cinematográfico, con escenas cargas de simbolismo y una estética impactante. Sin embargo, esto no ha hecho que la película supere a sus predecesoras sino todo lo contrario. En lo narrativo, Iñárritu opta por sobrecargar el film de temas y elementos que buscan aportar a la historia de su protagonista, pero que a la final terminan por saturarla. La emotividad alcanzada no llega a ser en este caso un reflejo de la solidez narrativa sino de la formula estandarizada y sobre todo, de la excelente actuación de un cada vez mejor Javier Bardem.

Bon Appétit

Historias de amigos que se besan

Ligera, sutil y agradable. Esta película se deja disfrutar desde el primer momento como historia de amor, a lo "cine indie", adornada con sugestivos elementos: un espectacular soundtrack, acompañado de inspiradores escenarios y el suculento aroma de lo gourmet.

En definitiva, no queda claro si es el empaque o el contenido lo que destaca en este film, pero la consigna es clara y depende de cada comensal el sacar sus conclusiones. Bon appé

tit!

BURIED

En una temporada donde varias películas han buscado llevarnos al extremo, BURIED llega para encabezar la lista con una propuesta que no pasa desapercibida. Y no es precisamente por la complejidad de la trama ni por llevar a la pantalla una idea que, de alguna u otra manera, ha sido utilizada en varias producciones (no solo del cine de suspenso). Después de todo estamos hablando de aislamiento, encierro, situación de vida o muerte y la respectiva cuenta regresiva.

Sin embargo, lo que hace de esta una película memorable, capaz de igualar a los grandes referentes de este tipo de cine, es sin duda su muy bien logrado montaje, simple pero eficaz, donde la cámara se da ciertas libertades en beneficio de la propuesta, pero al mismo tiempo se limita a reforzar la sensación de claustrofobia en la que un encendedor, la luz fluorescente de un celular y la oscuridad absoluta son los elementos para trasladarnos dentro de esa caja de madera enterrada e un remoto lugar de Irak.

Lo que nos deja el 2010

En un año en el que la principal novedad ha sido el predominio del 3D en la industria cinematográfica como una nueva forma de generar público para las salas de cines, el balance final en cuanto a lo visto sigue siendo negativo. Este sistema, el cual solo ha tenido una verdadera justificación en unas poquísimas películas, no ha contribuido mucho para obtener un fructífero y gratificante año cinematográfico. De hecho, dos de las mejores películas de este 2010, INCEPTION Y THE SOCIAL NETWORK, no forman parte de esta novedad. Estas dos películas son en realidad la muestra de que un buen director sigue siendo la clave para contar historias que nos atrapan tanto por su narrativa como por sus elementos cinematográficos, haciéndolas perdurables en la memoria y en el tiempo.

Con INCEPTION, una de las películas más esperadas del año, quedó demostrado que Christopher Nolan sabe lo que hace y lo que quiere conseguir (una película para el público masivo que pueda ser apreciada por la crítica y viceversa). El resultado final, una intrincada historia de acción dentro sueños, que resonó por algún tiempo y se ha hecho eco en las nominaciones para los premios de este año.

Ya en el campo de la realidad, THE SOCIAL NETWORK logró con estilo y solvencia narrar una historia atemporal en tiempos de globalización e Internet. La película va más allá de su referente sin dejar de prestarle la debida importancia como eje central del film, tratándose no solo de una de las principales redes sociales, sino aquella que cambio (y lo sigue haciendo) nuestra manera de interrelacionarnos.

Además de estas dos se destaca entre la cada vez mayor oferta de películas animadas la tercera entrega de TOY STORY, insuperable en su estilo y gracia para contar una historia divertida y enternecedora como ninguna otra.

Cabe señalar además que tanto INCEPTION como TOY STORY 3 son la muestra de que los blockbusters de verano y el cine comercial no tienen porque limitarse a lo más burdo, banal y complaciente, sino que es en su posibilidad de establecerse como productos masivos que se plantean como propuestas interesantes pensadas desde el cine como séptimo arte.

Por último se debe mencionar que el 2010 también fue el año de importantes propuestas cinematográficas (de distintas latitudes) estrenadas en su momento en los grandes festivales de cine, posteriormente en algunos lugares del planeta y actualmente nominadas a varios de los premios de esta temporada. Sin embargo, esta realidad no corresponde a la de las cadenas de cine de la mayoría de nuestros países, donde habrá que esperar todavía mucha para verlas, si es que en realidad algún día llegan (o solo lo harán en formato DVD donde no habrá 3D que nos impida verlas en nuestras casas).

Momentos del cine ecuatoriano - 1ra Parte

Excelente recopilación de imágenes del cine ecuatoriano.

The Social Network

No se trata solo de una película sobre el origen de Facebook, uno de los fenómenos más grandes del Internet, cuyo concepto como red social da ya mucha tela de donde cortar. Se trata también sobre relaciones interpersonales, inclusión social, relaciones de poder, ética, manejo de información y, por qué no, banalidad. Después de todo, es el mismo Mark Zuckerberg (no el verdadero sino el interpretado con destreza por Jesse Eisenberg) quien en una escena del film pide a su mejor amigo el algoritmo perfecto para que una de sus ideas tenga el éxito esperado.

Esto podría ser aplicado al caso de David Fincher, gran director que con destreza y la ayuda de un excelente guión (a cargo de Aaron Sorkin), cumple con todas las pautas para hacer de este un film de culto como ya lo son Seven y Fight Club.

La descomposición temporal, su sobria fotografía y el acertado uso de una excelente banda sonora, crean el frenético ritmo necesario para que la película logre su objetivo y capture toda nuestra atención desde el primer instante. A pesar de decaer un poco al final, está claro que lo visionado en los grandes momentos que conforman este film es la suma perfecta entre el qué se cuenta y el cómo se lo cuenta, haciendo de The Social Network una de las mejores películas del año.

PROMETEO DEPORTADO

'El Ecuador no existe pero duele'

El nombre de Fernando Mieles comenzó a ser conocido para algunos de nosotros cuando supimos de su documental Aquí soy José, en el cual, visto ahora de manera retrospectiva, ya podíamos observar el estilo y la proyección de un directo que tras su paso por el género documental estrena ahora en el país su esperado primer largometraje de ficción: Prometeo Deportado.

Con una imagen distinta a la de otros cineastas ecuatorianos, Mieles ha conseguido, en cierta forma, que veamos en él la imagen del guayaquileño pionero del cine nacional, Augusto San Miguel, cuya recién rescata presencia en la historia de nuestra cinematografía nos ha permitido conocer no solo el ímpetu de este hombre por hacer cine en nuestro país, sino también el hecho de que la primera cinematografía ecuatoriana surgió en Guayaquil.

No es coincidencia tampoco que los anteriores trabajos de Mieles han tratado precisamente sobre dos cineastas guayaquileños. En el caso de Descartes, la mirada relajada pero a la vez detallista y apasionada de este director fue el punto fuerte de este incomparable documental sobre la memoria y el cine. Ahora, con Prometeo Deportado, nos encontramos ante un Fernando Mieles dispuesto a crear su propia historia dentro de nuestra cinematografía.

Prometeo es una fábula extrema que se nutre de cuanto relato sobre la espera y el hacinamiento podamos recordar. Sin embargo, en esta ocasión estos temas han sido la excusa perfecta para que, con sinceridad y de manera correcta, este cineasta retrate a la sociedad ecuatoriana con toda su complejidad, siendo uno de los poco films de nuestro país en abarcar una mirada amplia sobre el Ecuador, y de una forma tan interesante y reflexiva.

Un guión sólido que funciona, una crítica mordaz a la sociedad ecuatoriana a través de una situación digna del realismo mágico, un buen manejo del drama y la comedia, y un elenco de actores que, en distinta forma y en distintos niveles (hay algunos nombres que destacan por encima del resto), aportan a la película y sostienen los distintos momentos que componen este relato en constante transformación. Conclusión: puede gustar o no pero Prometeo Deportado ha llegado con paso firme y seguro para consolidar el nombre de Fernando Mieles como uno de los cineastas más destacados de nuestro país, y del que esperamos aún más.

Por último he querido citar las palabras de Pablo Fiallos sobre el film en una crítica que se encuentra en la revista ZOOM de este mes:

'Prometeo Deportado es un relato conmovedor e impactante, sumamente triste por la posibilidad de identificación con el relato, pero esperanzador, pues el director nunca abandona la idea de inventar una salida.

En la terminal de Mieles no hay lugar para los héroes y sin la intención de querer victimizarlos, los personajes que están encerrados dentro de ella son víctimas del sistema, de la historia, de la cultura...de aquel país que existe y que también sangra, aunque este atravesado por una línea imaginaria.'

Pablo Fiallos

Revista ZOOM

Naturaleza Muerta (1977)

Bastaron 17 min. para ver este cortometraje, sin embargo pesaron mucho más los 33 años que han transcurrido desde que fue filmado y, a partir de entonces, olvidado en un espacio sin memoria ni rastro. Fue entonces cuando Fernando Mieles encontró al artista y su obra, ambos enterrados en medio de lo caótico y mundano, en la cotidianidad de una urbe.

Si en un momento acompañamos al cineasta, en su trabajo de arqueólogo, a seguir las huellas y encontrar el tesoro, llegó el anhelado momento de abrir el cofre y ver qué hay adentro. El paso del tiempo destruye algunas cosas pero también contribuye a crear otras. Imágenes borrosas que en su silencio dejan ver un trabajo impecable y que ahora se nutren de su propia y trágica historia. Un pasado que deslumbra por su valor en nuestro presente y el merecido reconocimiento aquel que lo concibió.

Muchas cosas han cambiado en 10 años, 12 si contamos el momento en que Ratas, ratones y rateros fue filmada. Las ciudades han cambiado, la moneda cambió y la historia de nuestro cine también. Diez años desde que se estreno esta película y sin embargo hay algo que sigue igual: sigue siendo hasta el momento la mejor película ecuatoriana.

Tengo que admitir que esta aseveración no ha sido gratuita y que muchos años tuvieron que pasar para que lo considere una certeza. No fui de aquellos que acudió a verla al cine tras su estreno, y menos de los que la alabó inmediatamente. Siempre reconocí en Sebastián Cordero a un director prolífico, sin embargo ésta, su ópera prima, me resultaba una muestra más de un recurrente 'cliché' del cine latinoamericano. A la larga, más allá de su temática, fue la solidez de su historia y de sus personajes las que se impusieron y me hicieron cambiar de idea para verla con otros ojos, descubriendo en ella no solo sus virtudes como filme, sino también como el punto de partida de lo que ha sido esta última década para nuestra cinematografía.

Diez años pasaron y muchas cosas han cambiado. He ido a una sala de cine a esperar el momento en que Ángel aparece en la habitación de un motel, fumando base de coca, dando inicio a Ratas...

Zuquillo Exprés: cine nacional para consumo local

Después de una serie de peripecias e intentos por conseguir entradas lo logré; pude ver el más reciente estreno del cine nacional: Zuquillo Exprés.

En un primer instante sentí trasladarme a una de aquellas extintas salas de cine de la capital, durante la proyección de alguna comedia mexicana de los años 70. Pero no era así. Se trataba de la sala de una cadena de cines, abarrotada de gente a la espera de sus heroínas criollas de la televisión nacional. Algo así como si se tratase de los personajes de Sexo en la Ciudad (extraña comparación pero posible a la final).

Más allá de estar frente a una película con un guión poco novedoso y bastante plano, así como una dirección más cercana a la de un producto televisivo (una especie de capítulo alargada como me dijeron por ahí), lo interesante es la excelente respuesta del público ante esta propuesta que nació en el teatro pero que tuvo su verdadero espacio de difusión y acogida a través de la pantalla chica. Muchas risas y aplausos espontáneos fueron el modo de aprobación que se hizo presente en la sala. Ante esto, y considerando la dificultad que tiene nuestro cine para convocar espectadores, surgen varias preguntas e interesantes reflexiones; entre ellas:

Ante un más que comprobado éxito como producto comercial, es esto en realidad una prueba del papel que juega la televisión como medio de comunicación, creador de imaginarios locales e identidades? Qué pasaría si se tratara de Las Marujitas, personajes más que conocidos pero que no han tenido un espacio formal dentro de la TV?

Siempre se ha hablado de un financiamiento para la realización de películas que no recurra solo a entidades públicas sino también privadas, buscando presencia de marcas como se realiza en las cinematografías de otras latitudes. Sin embargo, es necesario recurrir a modos tan poco sutiles de publicidad para lograr este objetivo?

El público acude al cine a divertirse. Cómo lograr que acuda también a ver películas nacionales que no estén enmarcadas en el género de comedia? O será que sencillamente no se deberá pensar en un público masivo para aquellos films?

Por último, si la película tiene éxito, llega a la gente y llena salas...está de más criticar aspectos relacionados con su calidad cinematográfica? Se debe pedir más si logra su objetivo?...Aquello que si el cine como lenguaje, como arte, como medio, como entretenimiento, como producto, como taquilla, como dinero... conduce a algo? o solo debemos sentarnos y ver...

MAMUT

Cuando durante verano nos invaden las mega producciones, y las salas de cine están abarrotadas de adolescentes, es necesario revisar exhaustivamente la tienda de películas en busca de algo que se aleje totalmente de esta realidad. En esta ocasión (y a pesar de no haberle prestado mucha atención anteriormente) fue MAMUT mi gran acierto.

Qué significa dedicar la mayor parte de nuestros tiempo a un trabajo, a una profesión, a un oficio; por qué lo hacemos; qué es lo que nos da y también lo que nos quita; y de qué forma estamos haciendo algo por los demás, cambiando sus vidas, o no. Cuando un director se plantea estas inquietudes, plasmando en la pantalla la cotidianidad de nuestras vidas, es algo meritorio y digno de ser visto. En esta ocasión, el director sueco Lukas Moodysson logra un buen resultado (a pesar de lucir por momentos algo plano) sin mayores elementos ni diálogos elaborados, recurriendo sobre todo a un estilo narrativo sobrio y a una reflexión expresada en el nombre de esta película.

Por último un interesante razonamiento que me llamó mucho la atención. Javi Álvarez en la repúblicalcultural.es señala que en esté film también esta presente aquella paradoja que nos atosiga y no encuentra solución en las sociedades capitalistas: la de enfrentar trabajo vs. ocio. La que nos lleva a pensar que si se trabaja no queda tiempo y si se tiene tiempo se siente que se pierde porque no se hace nada.

El efecto Donnie Darko

Después de haberla visto ya hace algunos días y quedar más que desconcertado, puedo decir que el efecto Donnie Darko se apoderó de mí. Los diálogos, las imágenes, la música...vaya peliculón éste!...el que surgió como un rotundo fracaso en taquilla y se ha convertido en un suceso underground de culto.

Aquí parte de una excelente crítica realizada por David Sierra:

Empezar diciendo que ante todo, 'Donnie Darko' puede serla película más freak que hayais visto nunca. No se si es debido a esos dialogos sobre la presunta asexualidad de los pitufos, o por el echo de que en Halloween los protagonistas vayan a las míticas sesiones dobles, dónde proyectan, además de la no menos mítica 'Posesión Infernal', la película 'La última tentación de Cristo'. Tampoco puedo negar que sobre esta película flota un aire de misterio que sólo tienen las películas malditas: ésta se estrenó el 11 de Septiembre del 2001, año fatídico por razones que no vienen al cuento, pero que la llevarían a un injusto fracaso en taquilla.

'Donnie Darko', es sin lugar a dudas, un terrible cuento macabro. De la misma forma que la Alicia de Carroll sigue al conejo y se mete en su mundo de terrible fantasía, los espectadores somos testigos de la transformación del mundo de Donnie, sólo que nada de fantasias de colores. Una vez que el conejo gigante visite al protagonista, éste verá lo más terrorífico que existe: el mundo real. Allí verá la verdad del mundo, la de los hipócritas adultos o de los desmadrados jóvenes, que a veces puede ser más macabro que la peor de las pesadillas.

www.aullidos.com

Chéri

Stephen Frears ha demostrado en más de una ocasión ser un director observador y detallista, con un estilo clásico y depurado, interesado en contar historias sobre verdades y apariencias. En este caso el resultado es una impecable historia de amor (o desamor) entre una cortesana y su joven amante.

Estilizada y sutil, Chéri es exquisita como espectáculo audiovisual por su fotografía, vestuario, locaciones y demás, así como un sólido trabajo en cuento a narración y nivel actoral se refiere. Sobre este último punto destaca la encantadora presencia de una Michelle Pfeiffer que tras su incursión como una inocente damisela en peligro en la recordada Dangerous Liaisons de Frears, regresa después de dos décadas a las órdenes del director convertida en una seductora mujer de edad madura en tiempos de la Belle Époque. Curioso si tomamos en cuenta que la película en si misma nos habla sobre el irremediable paso del tiempo.

Considerando lo pobre que resultó el 2009 en cuento a buenas películas, sorprende sobremanera que un film como éste no haya sido tomado en cuenta de la forma en la que debería....cosas de los Estudios y los premios, supongo.

Una casa, un motel, una ducha, un cuchillo, una tonada....

Tras cientos de parodias, homenajes, recreaciones, experimentos y análisis, la gran obra del maestro del cine de suspenso cumple 50 años...más que un clásico, un icono.