EL ANTICRISTO DE LARS VON TRIER

He visto por fin la tan comentada nueva película de uno de mis directores favoritos y la verdad es que el resultado me ha dejado con más dudas que certezas sobre lo visto y sobre todo lo percibido. No cabe duda que Anticristo es una película de Lars Von Trier en todos los sentidos (quizás no la mejor pero definitivamente si que tiene su sello personal), y por lo tanto es un film completamente visceral, por lo que es precisamente en este aspecto donde los exorcismos personales que el director expone cobran un fuerza impresionante. Sin embargo, es cuando uno trata de reflexionar de la manera más ortodoxa sobre el asunto que surge la duda: ¿los elementos de la película poseen una complejidad que se puede y debe analizar en distintos niveles, o esconden en realidad un vacío que se sustenta en lo desmesurado y en lo visualmente más explícito del film: sexo, sangre y dolor?. A la final, estas preguntas solo elevan a este film a un nivel en el que no puede pasar desapercibido, y a su director al ya consabido limite entre genio y enfermo mental.

Para complementar este post dedicado a una película como esta, que sin duda da mucha de que hablar, voy a citar parte de la crítica hecha por Julio Rodríguez en LABUTACA.NET y la cual me pareció muy pertinente:

Continuos primeros planos para buscar el dramatismo de los rostros y un montaje sincopado brusco que transmite violencia, una cámara nerviosa que se desplaza con los personajes y que genera cierta ansiedad e inquietud, una cuidada y bella fotografía que crea atmósferas agobiantes, y escenas surrealistas tan estilizadas como pretenciosas. En su manierismo y narcisismo, Lars von Trier llega incluso a asumir el papel del terapeuta soberbio y desencantado para someter al espectador a un primer capítulo pesado en su discurso donde parece que vuelca su experiencia, para después hacerle bajar a los infiernos y someterle a una escalada de reproches, violencia, sexo y masoquismo insoportable. Con ello parece decir que así es la naturaleza humana dañada por la locura, capaz de todo hasta límites insospechados y contra quien uno más quiere, pero en este caso lo suyo es el exceso y lo desmedido, lo brutal y lo que fácilmente genera repulsa o morbo… un camino poco sutil y muy tremendista que a muchos echará de la sala. Sin duda, estamos ante un ejercicio más de egocentrismo, con un toque de solemnidad que quiere evocar a Andrei Tarkovski (no sólo en la dedicatoria, sino en la misma idea de sacrificio y de la culpa, o en las metáforas del incendio o de la lluvia… de bellotas en este caso, o en la abundante simbología religiosa), pero al que le falta la mesura y precisión, la desnudez narrativa (no de la otra, que abunda), la profundidad conceptual del director ruso.

Sin duda, las interpretaciones de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg ─Mejor Actriz en Cannes─ son excelentes al reflejar todo el infierno del dolor y de la enfermedad, y sus rostros dejan que la cámara se adentre en el infierno que viven en su interior, para acabar descubriendo que el verdadero “enemigo” ─el Anticristo que está en el vértice de la pirámide─ es uno mismo y que en eso consiste la enfermedad. Mucha dureza, mucha crudeza y mucho sadismo ─también misoginia─ para una cinta que no se puede recomendar indiscriminadamente porque está hecha desde el sufrimiento y lleva al sufrimiento y a la incomodidad. El espectador recorrerá cada episodio viendo cómo se va encogiendo en la butaca entre la tristeza y la ansiedad, entre el dolor y la desesperanza ─son los cuatro capítulos de su estructura─, en medio de mucha violencia emocional, física y visual hasta que lleguen los “tres mendigos”… y concluya con un enfático epílogo de luz y redención.

LOS CANALLAS: Podría ser peor

La premisa es buena: definitivamente podría ser peor...de hecho, ya se han dado casos en el cine ecuatoriano que por más expectativa creada con anterioridad, ya se por cosas de la mercadotecnia o los premios ganados, el resultado termina por dejar un sabor agridulce ante los ojos del espectador. Dicho esto, fueron varias las voces que me advirtieron que estos CANALLAS no eran de confiar. Llegada la hora fue una agradable sorpresa saber que, más allá de lo incontundente, y algunas veces incongruente, de los cortes que conforman esta película (siendo el tercero el de mayor presencia y peso narrativo), hay muchos elementos valiosos que demuestran que estos chicos van por buen camino. Es así que tanto en lo estético como en lo actoral (este último un punto realmente importante para nuestro cine) la película de la primera promoción del INCINE demuestra que hay un buen trabajo de por medio que permitirá que estos y los futuros CANALLAS tengan mucho que ofrecer al nuevo cine ecuatoriano, desde una perspectiva desenfadada y propositiva.

The Rocky Horror Picture Show

Es cuando una película deja de ser sola una película y se convierte en un film de culto que nos damos cuenta que detrás de toda la dinámica que envuelve a la industria cinematográfica (dimensionada en función del mercado) se encuentra algo más complejo y menos fatuo. Es precisamente este "algo" el que ha hecho que The Rocky Horror Picture Show haya trascendido en el tiempo, no solo imponiendo su "peculiaridad", sino siendo el propio experimento de lo que la experiencia cinematográfica puede llegar a convertirse para el espectador, si se considera a la sala de cine como un espacio de interacción.

Esta extravaganza, digna representante de aquello que en su momento fueron las películas clase B, es toda una alegoría en contra de aquello que lleva la etiqueta de lo moral, lo normal y lo convencional. Después de todo si hay que decir algo hay que decirlo fuerte... y si hay que decirlo cantando que mejor...esta película lo hace.

Enter at your own risk!

Ponyo en el acantilado

Si bien no es El viaje de Chihiro (película mucho más impresionante tanto en lo visual como en su historia), Ponyo en el acantilado sigue teniendo la marca indeleble de su realizador, Hayao Miyazaki, quien de tanto en tanto nos presenta una aventura como ésta, en la que la inocencia y la ternura nos devuelven las dulces sensaciones de la infancia. Esto en tiempos en los que la animación se ha convertido en un complejo instrumento para parodiar y satirizar irónicamente a la sociedad actual es algo que sin duda se debe agradecer.

LA TETA ASUSTADA

Si ya con Madeinusa la dupla formada por Claudia Llosa y Magaly Solier (la una como directora y la otra como protagonista) mostraba todo su potencial, con La Teta Asustada ambas realizan un trabajo aun más maduro y complejo. Si bien la primera película tenía el mérito de ser más impactante en la historia que se nos cuenta, en este segundo largometraje la sutileza en la narración y el pulso con el que Llosa dirige y expresa en imágenes los conflictos internos de su protagonista (dando énfasis al rostro siempre entristecido de Solier) el resultado es inigualable.

AMOROSA SOLEDAD

Ella pensó que podía estar sola...se equivocó.

Amorosa Soledad...un título que dice muchas cosas. Toda una película "indie", de aquellas que ahora están muy de moda y que llegan tanto al público como a la crítica. Un término que en este caso, como en algunos otros del nuevo cine de Hollywood, va más allá de una referencia en cuanto a su carácter de opera prima independiente, y se relaciona más bien con su estilo sencillo y juvenil, con una mirada sutil e intima por parte de dos nuevos cineastas en busca de algo relajado y fresco. Amorosa Soledad es eso...una peli con buena música, buena estética y sobre todo con una peculiar, encantadora y "freak" protagonista . Una magnifica y convincente Inés Efrón (más que una promesa del cine argentino) en el papel de una hipocondríaca que se las vale por si misma pero que al mismo tiempo siente una profunda necesidad de protección....Después de todo, más allá de la busqueda del amor, está la busqueda del sentimiento de seguridad y de la calidez de lo confortable.

LA NANA: lo mejor del cine chileno

Debo confesar que hasta ahora la cinematografía chilena me parecía poco interesante. A pesar de ser propositiva, el resultado final (en el caso de las películas que he podido ver) no llegaba a convencerme. Quizás el caso de Machuca puede ser considerado una excepción. Sin embargo, ha sido en estos días, en el marco del Séptimo Festival Cero Latitud, que he podido ver una película que me ha encantado. La Nana, del director chileno Sebastián Silva, es un film honesto y sencillo que convence y trasmite toda una gama de emociones. El mayor peso de esta obra cinematográfica radica en la prolífica interpretación de Catalina Saavedra, quien asume el rol protagónico de esta interesante historia en la que la problemática existencial de una empleada domestica nos muestra la realidad de un oficio de mucha entrega y de gran significación en nuestra región.

REPULSIÓN

Es en la posibilidad de acceder a lo "clásico", lo "hecho" y lo "consumado" que, pese a siempre tener los ojos puestos en las nuevas propuestas, podemos de a poco apropiarnos también de aquello que por derecho propio a trascendido en el tiempo y que, más allá de constituirse en parte de una formación cinematográfica y cultural, nos proporciona la dicha de descubrir o reencontrar lo que siempre estuvo presente y ahora se revela por completo con toda su opulencia. REPULSIÓN, segundo film de Roman Polanski, cumple perfectamente con lo señalado. Es una obra tan imponte que verla constituye una experiencia ardua y por momentos demasiado exigente, pero es precisamente por esta razón que esta perturbadora película nos deja deleitados ante lo visto: cine del más alto nivel.

DESCARTES: sobre el cine y la memoria

Nuevamente es la historia de un cineasta perdido en el tiempo (ya en su momento Javier Izquierdo revivió al gran pionero olvidado: Augusto San Miguel), la que nos introduce en un relato de recuerdos y nostalgia...de la emocionante búsqueda de tesoros...no se trata por supuesto de simples monedas de oro o plata...si no del incalculable valor del arte, que va más allá de lo mundano y superficial.

Fernando Mieles nos presenta un documental relajado, sin mayores pretensiones, que se convierte, sin embargo, en un trabajo memorable y apasionante.

A la espera de...

Ver Irreversible fue una de esas experiencias que pocas veces se repiten en la vida. Como un acto de extremada valentía (y estupidez al mismo tiempo) que nos deja una rara sensación gratificante luego de haberlo hecho (algo así como subirse a una gran montaña rusa). Es por esa misma razón que, con abucheos y malas críticas de por medio, espero poder ver pronto la nueva película de Gaspar Noé, Enter the void. El 'warning' del cartel lo dice todo:

'Viewers are advised that this film contains scenes of heavy drog use, graphic sex and extreme violence'

IMPULSO

A pesar de lo predecible y extremadamente simple en su narración que termina siendo esta película, Impulso es sin duda una de las propuestas más interesantes que se han dado dentro del cine nacional. Más allá de lo regular de algunas de las actuaciones (el caso más extremo es el del tío de la protagonista), Mateo Herrera experimenta en una obra de bajo presupuesto los lugares comunes del cine de suspenso y nos brinda así un trabajo que se destaca sobre todo por sus memorables imágenes en blanco y negro.

En el caso de la actuación de Cecilia Vallejo lo que se puede decir es que la Jessica de Mateo es en algunos puntos similar a la Teresa de Tania Hermida (personaje que interpreta Cecilia en Qué tan lejos). Sin embargo, este personaje lleva al extremo su enajenación e introversión por lo que su mutismo llega a ser hasta cierto punto desesperante, sin que se logre saber si es un caracterización acertada o todo lo contrario.

Impulso es sobre todo una propuesta...un paso más en la creación de una identidad cinematográfica que se alimente tanto de lo propio como de lo ajeno.

Nick & Norah's Infinite Playlist

Every night has a soundtrack

Una de aquellas rarezas con las que a veces uno se topa en la vida sin saber cómo. Nick & Norah's Infinite Playlist está lejos de ser una obra maestra de la cinematografía. Sin embargo, lo que llama la atención de esta película es esa mezcla entre los estereotipos de las teen movies de hollywood y el desenfado del cine independiente al estilo Juno (de hecho Michael Cera aparece también en aquella película). Pero el punto más COOL de esta movie es sin duda la música...todo el indie rock necesario para contar la historia de amor entre estos dos seres del underground.

El nido vacío

A pesar de contar con una premisa que ya desde su titulo propone una historia interesante y profunda, tengo la sensación que el vacío al que se hace alusión en realidad es aquel que impide que esta película trasciendo el campo de la belleza estética y produzca una empatía con el espectador. Después de todo queda claro que El nido vacío es una película pretenciosa en el mejor de los sentidos. Magníficamente fotografiada, cada imagen parece crear un ambiente rico en colores, texturas y sonidos (la banda sonora del film se lleva también su elogio). Sin embargo, más allá de eso, no hay mucho que permita acceder realmente a la historia de esta pareja de regreso a la vida entre 2: al amor en medio de una especie de soledad acompañada.

Este maldito país

Juan Martín Cueva retoma en este documental la eterna interrogante de la identidad ecuatoriana: siempre cuestionada, analizada e interpretada no sólo por los sociólogos y eruditos, si no por todos aquellos que se sientan, con orgullo, parte de "este maldito país".

La propuesta es muy buena y en gran medida necesaria; sin embargo la sensación final que deja la película es que se pudo haber hecho más...se pudo haber ido más lejos...Quizás el retomar aquella mirada personal e intimista que este director con gran inteligencia expuso en su anterior trabajo: El lugar en el que se juntan los polos.

Lo más valioso que nos deja Este maldito país (en referencia al documental), son varias reflexiones de profundo significado. Memorables palabras que expresan no sólo la visión de aquel que las pronuncia sino la realidad social que se construye en base a estos pensamientos.

CUBA, el valor de una utopía

El valor del trabajo realizado por Yanara Guayasamín en este documental radica en la belleza de sus imágenes, magníficamente fotografiadas, y en su carácter testimonial (sobre todo por recoger las opiniones y experiencias del mismísimo Fidel). Sin embargo, el film pierde dinamismo a medida que avanza y se extiende en demasía en el recuento histórico que hace de los hechos acontecidos hace 50 años, durante el inicio de la revolución cubana, quitándole así el papel protagónico que debería tener la palabra de aquellos personajes "comunes" de la vida diaria en la Habana. Son éstas las verdaderas imágenes memorables del documental pues recogen la sabiduría de un pueblo que, sin perder la alegría, comprende lo que significa en todos los sentidos vivir en una utopía.

Annie Hall

La Di Da, La Di Da, La La
...

"I feel that life is divided into the horrible and the miserable. That's the two categories"
"You should be thankful that you're miserable, because that's very lucky"

...

90% nihilista, 88% sarcástica, 99% inteligente

100% Woody Allen

Sin duda su mejor película.

DEFICIT

La historia que nos plantea Gael García Bernal es excelente como un retrato social juvenil y desenfadado; sin embargo, la ópera prima del actor no "cuaja" como una película memorable. Esto se debe en gran medida a la poca relación entre la naturalidad y espontaneidad de su estilo cinematográfico, y las actuaciones de gran parte del elenco, las cuales por momentos (sobre todo al inicio del film) se acercan más a una parodia exagerada de los gestos, ademanes y muletillas de los más superficiales miembros de nuestra sociedad (los "aniñados").

Entre la espada y la pared: la piratería vs. la cartelera de cine

EL CINE EN EL PAÍS LLEGA TARDE O NUNCA

La distribución de filmes en el país depende de distintos factores que van más allá de las empresas nacionales.

Un año antes de rodar su última aventura fílmica en Barcelona, el cineasta neoyorquino Woody Allen acababa de rodar su trilogía inglesa. Lo que se inició con el mejor de los augurios con ‘Matchpoint’ y continuó, un poco tibiamente, con ‘Scoop’ cerró a pedir de boca con el intrigante thriller ‘El sueño de Cassandra’. Esta cinta, precisamente, se estrenó este viernes en las salas de la capital. Sin embargo, el último filme de Woody Allen, ‘Vicky Cristina Barcelona’, ya llevaba dos semanas en las carteleras. Lo que podría parecer una jugada de marketing que aprovecha el éxitode la presentación de ‘Vicky Cristina Barcelona’, Steve Wright lo aclara como una simple coincidencia, ya que las copias, que costaron USD 6 000, llegaron al país la semana pasada.

La negociación en este caso fue hecha directamente con el dueño de los derechos para la zona andina. Pero existen otras entidades, como el Consorcio Fílmico, que funciona como representante de las grandes cadenas distribuidoras y no tiene que pagar por copia, sino que ya existe un convenio total preestablecido entre ellos. Incluso hay casos como el de ‘Grindhouse’, díptico compuesto por ‘Planet terror’, dirigida por Robert Rodríguez, y ‘Death proof’, por Quentin Tarantino -un director comercial-, que no llegó al país. Marco Aguas, de la distribuidora Consorcio Fílmico, explica que la distribución depende de varios factores. Las compañías deciden a veces no enviar las películas. El primer termómetro suele ser el propio mercado estadounidense. Si la película resulta un fracaso comercial es una señal de alerta para que ellos decidan hacer una prueba en un territorio como México. Si funciona ahí prueban con el resto de América Latina, de lo contrario deciden no enviar la película para el resto del continente.

El problema con los atrasos en la exhibición de algunos filmes favorece a una piratería sin control en el país. Solo la exhibición a tiempo podría significar un factor determinantepara evitar este fenómeno. La oferta cinematográfica incluye películas alternativas como ‘Afterthe wedding’. Pero, lamentablemente, algunas de ellas llegan cuando ya han sido transmitidas incluso por el cable. La distribución y exhibición de películas depende de varios factores. Hay algunas películas, como los grandes ‘blockbusters’ ‘Harry Potter’,‘Indiana Jones’, ‘Star wars’ o ‘Batman’, que emiten una enormec antidad de copias y se pueden dar el lujo de estrenar el mismo día a escala mundial. Sin embargo, cintas más pequeñas como ‘Paranoid park’ salen con una cantidad limitada.

Pablo Fiallos, Redactor de Cultura

Extracto del artículo publicado en El Comercio

CAMINO

La espera no fue larga (supongo que por sus 7 Goyas), y ya he podido disfrutar de la última película de Javier Fesser. Sin embargo, creo que "disfrutar" no es la palabra más idónea para referirse a Camino.

Debo comenzar diciendo que lo que más sobresale en este film es su discurso, pues resulta muy claro ante los ojos de cualquiera que Fesser no quiso en ningún momento mantener una mirada neutral sino todo lo contrario: el expresar con los recursos necesarios su posición ante el tema. Esto hace que la sufrida historia de esta encantadora niña se convierta en un todo un melodrama; una fantasía tan extrema como la propia historia de la cenicienta a la que la película continuamente alude.

Sin embargo, Fessel definitivamente logra que Camino conmueva hasta las lágrimas y que su postura ante el Opus Dei, por más incisiva y radical que sea, tenga validez.

Rachel getting married

Jonathan Demme expone con sencillez y sutileza los entretelones de una boda en la cual, en medio de enojos, llantos y alegrías, se van develando las cicatrices emocionales de una familia; pero sobre todo, las de un personaje sumido en sus propias derrotas y en la dificultad de comenzar de nuevo sobre las huellas indelebles del pasado.

Animación en función de lo real

En Vals con Bashir los terribles recuerdos de la guerra se encuentran a merced de la belleza poética y expresionista de las imágenes. Es sólo al final que la realidad (aquella fea, cruel y descolorida realidad) vuelve a nuestros ojos.

La película también es un ejercicio sobre la memoria y la creación...la existencia fundamentada en el pensamiento, los recuerdos, en fin...la mente.

RUDO Y CURSI

A pesar de lo simplona que puede resultar su propuesta (sobre todo si se quiere compararla con el trabajo de su hermano), Carlos Cuarón cumple lo que promete al presentar una película entretenida, con buenos momentos (en su mayoría a partir de la mitad del film en adelante) y con un Gael y un Diego que se quitan de encima la imagen de "niñitos de papá" y se ponen en la piel de dos nacos con suerte...

Otro punto a su favor es contar una historia de oportunidades, amores, opulencias, disputas, y demás "chingadas" a partir del fútbol...que más rudo y cursi que eso??

PD: Estuvo bueno eso de conocer a Bárbara Enríquez, parte del equipo de arte del film, y ahora el poder visualizar su trabajo...

BLACK MAMA: Los alcances del experimento

Es en la frase "me gustas pero me asustas" que la película Black Mama fundamenta una serie de imágenes irreverentes y profanas, que establecen una propuesta cinematográfica que desafía lo convencional y propone como nunca el ir más allá de lo aceptado y constituido...tan sólo con sumergirse en lo más grotesco y kitsch de la expresión cultural de nuestra sociedad.

Black Mama hace uso del ritual y su banalización (en todo espacio, ámbito y circunstancia) para exhibir de forma burda paradojas relacionadas con la sexualidad (el homoerotismo y la homofobia), y características cercanas al barroco que marca nuestras identidad individual y colectiva.

"Vos Mismo Eres"

Doubt

'TENGO

'TENGO TANTAS DUDAS!'
DUDAS!'

Obra maestra del cine actual...La duda se nutre de las actuaciones de Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams y Viola Davis, quienes tienen a su cargo cuatro interpretaciones poderosos y llenas de fuerza.

Por su parte John Patrick Shanley hace lo suyo como director y consigue a través de planos, colores y elementos crear el ambiente preciso para que aquello de 'la duda' sobrepase la esfera de lo intimo y se materialice como parte del entorno que acoge y somete a los personajes.

La mirada intromisiva de Haneke

He visto sin expectativa previa las dos últimas películas de Michael Haneke: Cache y Funny Games. Estos films exponen la mirada intromisiva e incisiva que encontramos en el cine de este director. Si ya con la primera (Cache) el asunto del rol del espectador como parte del planteamiento del film estaba claro como una inquietud del cineasta, en Funny Games, película que en si misma representa todo un enunciado (Haneke recrea a Haneke), el asunto vuelve a ser expuesto con mayor descaro y brutalidad.

Haneke mola!!

RECORDANDO A KUBRICK

Diez años de la muerte del GRANDE.

Como homenaje un promo de hace algun tiempo...excelente!

Reflexiones sobre el cine y el arte

¿A qué punto hemos llegado con el cine?...el cine está en crisis como consecuencia de los nuevos modelos de visualización (los avances tecnológicos). Esto más que matar al cine a provocado su explosión, multiplicándose a través de formas artísticas transversales...nuevos modelos para el arte contemporáneo.

...

El espectador es un "soñador" frente a la imagen cinematográfica. La sala de cine constituye un espacio (más bien una especie de útero) de hipnosis /trance, donde la inmaterialidad del objeto visual trasciende lo real, convirtiéndose en experiencia perceptiva.

...

Si el entretenimiento se mide en función del impacto que genera (dado que la emoción puede ser fabricada),el arte se puede definir en función de ese impacto?...El arte, más allá del impacto que genera, se establece como tal cuando el autor y las distintas entidades le otorgan un valor institucional.

Seminario El cine, modelo para el arte contemporáneo.

Expositor: Philippe Dubois

16-20 de febrero de 2009.

Universidad Andina Simón Bolivar

Quito, Ecuador

Y la ganadora es...

Slumdog Millionaire

Academy Award winner 2009

En una ceremonia muy bien lograda (emotiva y llena de espectáculo), Slumdog Millionaire se consagró como mejor película con 8 premios. Estos reconocimientos son la prueba de cómo este film independiente ambientado en Bombai captó no sólo la atención del público sino también de la crítica.

Ha diferencia del año anterior, esta vez la clara favorita de la noche venía acompañada de un caluroso respaldo provocado por la empatía emocional que despertó la historia de un chico que tras los avatares de la vida consigue hacer sus sueños realidad.

Tomando prestadas las palabras de un portal dedicado al cine:

'Es curioso que con esta fórmula tan primaria y escapista, un buen equipo consiga crear una obra de arte. El director británico Danny Boyle y el guionista Simon Beaufoy lo consiguen con Slumdog Millonaire, una película que tiene demasiados motivos para ser considerada no sólo efectiva y bien lograda, sino propositiva y relevante'.

www.cinencuentro.com

A la espera de...

¿Quieres que rece para que tú también te mueras?

Los 7 Goyas que ha conseguido esta película han confirmado que no hay cómo perdérsela. Es esa combinación de sueños y fantasías vs. la cruda realidad (al estilo de El Laberinto del Fauno), el tema de la muerte como parte de nuestras vidas, y las reflexiones sobre el Opus Dei, la que hace que esta película tenga todos los elementos necesarios para ansiar verla muy pronto.

PD: lo unico que no cuadra es el cartel, que tiene pinta de una nueva versión de El Exorcista.

Y la ganadora es...

BEST MOTION PICTURE-DRAMA

GOLDEN GLOBE 2009

Desde hace algun tiempo he estado a la espera de ver esta película y ahora aún más. Sin duda Danny Boyle es un gran director y merece ser reconocido como tal.

Mención especial los dos premios otorgados a Kate Winslet, sobre todo como un reconocimiento a una gran actriz (siempre nominada) y el premio a Heath Leger (curioso que si continuase aqui su magnifica actuación probablemente no habría sido tan galardonada).