Lo que nos deja el 2010

En un año en el que la principal novedad ha sido el predominio del 3D en la industria cinematográfica como una nueva forma de generar público para las salas de cines, el balance final en cuanto a lo visto sigue siendo negativo. Este sistema, el cual solo ha tenido una verdadera justificación en unas poquísimas películas, no ha contribuido mucho para obtener un fructífero y gratificante año cinematográfico. De hecho, dos de las mejores películas de este 2010, INCEPTION Y THE SOCIAL NETWORK, no forman parte de esta novedad. Estas dos películas son en realidad la muestra de que un buen director sigue siendo la clave para contar historias que nos atrapan tanto por su narrativa como por sus elementos cinematográficos, haciéndolas perdurables en la memoria y en el tiempo.

Con INCEPTION, una de las películas más esperadas del año, quedó demostrado que Christopher Nolan sabe lo que hace y lo que quiere conseguir (una película para el público masivo que pueda ser apreciada por la crítica y viceversa). El resultado final, una intrincada historia de acción dentro sueños, que resonó por algún tiempo y se ha hecho eco en las nominaciones para los premios de este año.

Ya en el campo de la realidad, THE SOCIAL NETWORK logró con estilo y solvencia narrar una historia atemporal en tiempos de globalización e Internet. La película va más allá de su referente sin dejar de prestarle la debida importancia como eje central del film, tratándose no solo de una de las principales redes sociales, sino aquella que cambio (y lo sigue haciendo) nuestra manera de interrelacionarnos.

Además de estas dos se destaca entre la cada vez mayor oferta de películas animadas la tercera entrega de TOY STORY, insuperable en su estilo y gracia para contar una historia divertida y enternecedora como ninguna otra.

Cabe señalar además que tanto INCEPTION como TOY STORY 3 son la muestra de que los blockbusters de verano y el cine comercial no tienen porque limitarse a lo más burdo, banal y complaciente, sino que es en su posibilidad de establecerse como productos masivos que se plantean como propuestas interesantes pensadas desde el cine como séptimo arte.

Por último se debe mencionar que el 2010 también fue el año de importantes propuestas cinematográficas (de distintas latitudes) estrenadas en su momento en los grandes festivales de cine, posteriormente en algunos lugares del planeta y actualmente nominadas a varios de los premios de esta temporada. Sin embargo, esta realidad no corresponde a la de las cadenas de cine de la mayoría de nuestros países, donde habrá que esperar todavía mucha para verlas, si es que en realidad algún día llegan (o solo lo harán en formato DVD donde no habrá 3D que nos impida verlas en nuestras casas).

Momentos del cine ecuatoriano - 1ra Parte

Excelente recopilación de imágenes del cine ecuatoriano.

The Social Network

No se trata solo de una película sobre el origen de Facebook, uno de los fenómenos más grandes del Internet, cuyo concepto como red social da ya mucha tela de donde cortar. Se trata también sobre relaciones interpersonales, inclusión social, relaciones de poder, ética, manejo de información y, por qué no, banalidad. Después de todo, es el mismo Mark Zuckerberg (no el verdadero sino el interpretado con destreza por Jesse Eisenberg) quien en una escena del film pide a su mejor amigo el algoritmo perfecto para que una de sus ideas tenga el éxito esperado.

Esto podría ser aplicado al caso de David Fincher, gran director que con destreza y la ayuda de un excelente guión (a cargo de Aaron Sorkin), cumple con todas las pautas para hacer de este un film de culto como ya lo son Seven y Fight Club.

La descomposición temporal, su sobria fotografía y el acertado uso de una excelente banda sonora, crean el frenético ritmo necesario para que la película logre su objetivo y capture toda nuestra atención desde el primer instante. A pesar de decaer un poco al final, está claro que lo visionado en los grandes momentos que conforman este film es la suma perfecta entre el qué se cuenta y el cómo se lo cuenta, haciendo de The Social Network una de las mejores películas del año.

PROMETEO DEPORTADO

'El Ecuador no existe pero duele'

El nombre de Fernando Mieles comenzó a ser conocido para algunos de nosotros cuando supimos de su documental Aquí soy José, en el cual, visto ahora de manera retrospectiva, ya podíamos observar el estilo y la proyección de un directo que tras su paso por el género documental estrena ahora en el país su esperado primer largometraje de ficción: Prometeo Deportado.

Con una imagen distinta a la de otros cineastas ecuatorianos, Mieles ha conseguido, en cierta forma, que veamos en él la imagen del guayaquileño pionero del cine nacional, Augusto San Miguel, cuya recién rescata presencia en la historia de nuestra cinematografía nos ha permitido conocer no solo el ímpetu de este hombre por hacer cine en nuestro país, sino también el hecho de que la primera cinematografía ecuatoriana surgió en Guayaquil.

No es coincidencia tampoco que los anteriores trabajos de Mieles han tratado precisamente sobre dos cineastas guayaquileños. En el caso de Descartes, la mirada relajada pero a la vez detallista y apasionada de este director fue el punto fuerte de este incomparable documental sobre la memoria y el cine. Ahora, con Prometeo Deportado, nos encontramos ante un Fernando Mieles dispuesto a crear su propia historia dentro de nuestra cinematografía.

Prometeo es una fábula extrema que se nutre de cuanto relato sobre la espera y el hacinamiento podamos recordar. Sin embargo, en esta ocasión estos temas han sido la excusa perfecta para que, con sinceridad y de manera correcta, este cineasta retrate a la sociedad ecuatoriana con toda su complejidad, siendo uno de los poco films de nuestro país en abarcar una mirada amplia sobre el Ecuador, y de una forma tan interesante y reflexiva.

Un guión sólido que funciona, una crítica mordaz a la sociedad ecuatoriana a través de una situación digna del realismo mágico, un buen manejo del drama y la comedia, y un elenco de actores que, en distinta forma y en distintos niveles (hay algunos nombres que destacan por encima del resto), aportan a la película y sostienen los distintos momentos que componen este relato en constante transformación. Conclusión: puede gustar o no pero Prometeo Deportado ha llegado con paso firme y seguro para consolidar el nombre de Fernando Mieles como uno de los cineastas más destacados de nuestro país, y del que esperamos aún más.

Por último he querido citar las palabras de Pablo Fiallos sobre el film en una crítica que se encuentra en la revista ZOOM de este mes:

'Prometeo Deportado es un relato conmovedor e impactante, sumamente triste por la posibilidad de identificación con el relato, pero esperanzador, pues el director nunca abandona la idea de inventar una salida.

En la terminal de Mieles no hay lugar para los héroes y sin la intención de querer victimizarlos, los personajes que están encerrados dentro de ella son víctimas del sistema, de la historia, de la cultura...de aquel país que existe y que también sangra, aunque este atravesado por una línea imaginaria.'

Pablo Fiallos

Revista ZOOM

Naturaleza Muerta (1977)

Bastaron 17 min. para ver este cortometraje, sin embargo pesaron mucho más los 33 años que han transcurrido desde que fue filmado y, a partir de entonces, olvidado en un espacio sin memoria ni rastro. Fue entonces cuando Fernando Mieles encontró al artista y su obra, ambos enterrados en medio de lo caótico y mundano, en la cotidianidad de una urbe.

Si en un momento acompañamos al cineasta, en su trabajo de arqueólogo, a seguir las huellas y encontrar el tesoro, llegó el anhelado momento de abrir el cofre y ver qué hay adentro. El paso del tiempo destruye algunas cosas pero también contribuye a crear otras. Imágenes borrosas que en su silencio dejan ver un trabajo impecable y que ahora se nutren de su propia y trágica historia. Un pasado que deslumbra por su valor en nuestro presente y el merecido reconocimiento aquel que lo concibió.

Muchas cosas han cambiado en 10 años, 12 si contamos el momento en que Ratas, ratones y rateros fue filmada. Las ciudades han cambiado, la moneda cambió y la historia de nuestro cine también. Diez años desde que se estreno esta película y sin embargo hay algo que sigue igual: sigue siendo hasta el momento la mejor película ecuatoriana.

Tengo que admitir que esta aseveración no ha sido gratuita y que muchos años tuvieron que pasar para que lo considere una certeza. No fui de aquellos que acudió a verla al cine tras su estreno, y menos de los que la alabó inmediatamente. Siempre reconocí en Sebastián Cordero a un director prolífico, sin embargo ésta, su ópera prima, me resultaba una muestra más de un recurrente 'cliché' del cine latinoamericano. A la larga, más allá de su temática, fue la solidez de su historia y de sus personajes las que se impusieron y me hicieron cambiar de idea para verla con otros ojos, descubriendo en ella no solo sus virtudes como filme, sino también como el punto de partida de lo que ha sido esta última década para nuestra cinematografía.

Diez años pasaron y muchas cosas han cambiado. He ido a una sala de cine a esperar el momento en que Ángel aparece en la habitación de un motel, fumando base de coca, dando inicio a Ratas...

Zuquillo Exprés: cine nacional para consumo local

Después de una serie de peripecias e intentos por conseguir entradas lo logré; pude ver el más reciente estreno del cine nacional: Zuquillo Exprés.

En un primer instante sentí trasladarme a una de aquellas extintas salas de cine de la capital, durante la proyección de alguna comedia mexicana de los años 70. Pero no era así. Se trataba de la sala de una cadena de cines, abarrotada de gente a la espera de sus heroínas criollas de la televisión nacional. Algo así como si se tratase de los personajes de Sexo en la Ciudad (extraña comparación pero posible a la final).

Más allá de estar frente a una película con un guión poco novedoso y bastante plano, así como una dirección más cercana a la de un producto televisivo (una especie de capítulo alargada como me dijeron por ahí), lo interesante es la excelente respuesta del público ante esta propuesta que nació en el teatro pero que tuvo su verdadero espacio de difusión y acogida a través de la pantalla chica. Muchas risas y aplausos espontáneos fueron el modo de aprobación que se hizo presente en la sala. Ante esto, y considerando la dificultad que tiene nuestro cine para convocar espectadores, surgen varias preguntas e interesantes reflexiones; entre ellas:

Ante un más que comprobado éxito como producto comercial, es esto en realidad una prueba del papel que juega la televisión como medio de comunicación, creador de imaginarios locales e identidades? Qué pasaría si se tratara de Las Marujitas, personajes más que conocidos pero que no han tenido un espacio formal dentro de la TV?

Siempre se ha hablado de un financiamiento para la realización de películas que no recurra solo a entidades públicas sino también privadas, buscando presencia de marcas como se realiza en las cinematografías de otras latitudes. Sin embargo, es necesario recurrir a modos tan poco sutiles de publicidad para lograr este objetivo?

El público acude al cine a divertirse. Cómo lograr que acuda también a ver películas nacionales que no estén enmarcadas en el género de comedia? O será que sencillamente no se deberá pensar en un público masivo para aquellos films?

Por último, si la película tiene éxito, llega a la gente y llena salas...está de más criticar aspectos relacionados con su calidad cinematográfica? Se debe pedir más si logra su objetivo?...Aquello que si el cine como lenguaje, como arte, como medio, como entretenimiento, como producto, como taquilla, como dinero... conduce a algo? o solo debemos sentarnos y ver...

MAMUT

Cuando durante verano nos invaden las mega producciones, y las salas de cine están abarrotadas de adolescentes, es necesario revisar exhaustivamente la tienda de películas en busca de algo que se aleje totalmente de esta realidad. En esta ocasión (y a pesar de no haberle prestado mucha atención anteriormente) fue MAMUT mi gran acierto.

Qué significa dedicar la mayor parte de nuestros tiempo a un trabajo, a una profesión, a un oficio; por qué lo hacemos; qué es lo que nos da y también lo que nos quita; y de qué forma estamos haciendo algo por los demás, cambiando sus vidas, o no. Cuando un director se plantea estas inquietudes, plasmando en la pantalla la cotidianidad de nuestras vidas, es algo meritorio y digno de ser visto. En esta ocasión, el director sueco Lukas Moodysson logra un buen resultado (a pesar de lucir por momentos algo plano) sin mayores elementos ni diálogos elaborados, recurriendo sobre todo a un estilo narrativo sobrio y a una reflexión expresada en el nombre de esta película.

Por último un interesante razonamiento que me llamó mucho la atención. Javi Álvarez en la repúblicalcultural.es señala que en esté film también esta presente aquella paradoja que nos atosiga y no encuentra solución en las sociedades capitalistas: la de enfrentar trabajo vs. ocio. La que nos lleva a pensar que si se trabaja no queda tiempo y si se tiene tiempo se siente que se pierde porque no se hace nada.

El efecto Donnie Darko

Después de haberla visto ya hace algunos días y quedar más que desconcertado, puedo decir que el efecto Donnie Darko se apoderó de mí. Los diálogos, las imágenes, la música...vaya peliculón éste!...el que surgió como un rotundo fracaso en taquilla y se ha convertido en un suceso underground de culto.

Aquí parte de una excelente crítica realizada por David Sierra:

Empezar diciendo que ante todo, 'Donnie Darko' puede serla película más freak que hayais visto nunca. No se si es debido a esos dialogos sobre la presunta asexualidad de los pitufos, o por el echo de que en Halloween los protagonistas vayan a las míticas sesiones dobles, dónde proyectan, además de la no menos mítica 'Posesión Infernal', la película 'La última tentación de Cristo'. Tampoco puedo negar que sobre esta película flota un aire de misterio que sólo tienen las películas malditas: ésta se estrenó el 11 de Septiembre del 2001, año fatídico por razones que no vienen al cuento, pero que la llevarían a un injusto fracaso en taquilla.

'Donnie Darko', es sin lugar a dudas, un terrible cuento macabro. De la misma forma que la Alicia de Carroll sigue al conejo y se mete en su mundo de terrible fantasía, los espectadores somos testigos de la transformación del mundo de Donnie, sólo que nada de fantasias de colores. Una vez que el conejo gigante visite al protagonista, éste verá lo más terrorífico que existe: el mundo real. Allí verá la verdad del mundo, la de los hipócritas adultos o de los desmadrados jóvenes, que a veces puede ser más macabro que la peor de las pesadillas.

www.aullidos.com

Chéri

Stephen Frears ha demostrado en más de una ocasión ser un director observador y detallista, con un estilo clásico y depurado, interesado en contar historias sobre verdades y apariencias. En este caso el resultado es una impecable historia de amor (o desamor) entre una cortesana y su joven amante.

Estilizada y sutil, Chéri es exquisita como espectáculo audiovisual por su fotografía, vestuario, locaciones y demás, así como un sólido trabajo en cuento a narración y nivel actoral se refiere. Sobre este último punto destaca la encantadora presencia de una Michelle Pfeiffer que tras su incursión como una inocente damisela en peligro en la recordada Dangerous Liaisons de Frears, regresa después de dos décadas a las órdenes del director convertida en una seductora mujer de edad madura en tiempos de la Belle Époque. Curioso si tomamos en cuenta que la película en si misma nos habla sobre el irremediable paso del tiempo.

Considerando lo pobre que resultó el 2009 en cuento a buenas películas, sorprende sobremanera que un film como éste no haya sido tomado en cuenta de la forma en la que debería....cosas de los Estudios y los premios, supongo.

Una casa, un motel, una ducha, un cuchillo, una tonada....

Tras cientos de parodias, homenajes, recreaciones, experimentos y análisis, la gran obra del maestro del cine de suspenso cumple 50 años...más que un clásico, un icono.

CELDA 211

'Pase lo que pase tú no sales vivo de aquí'

Definitivamente la mejor película española del 2009. Inteligente y emotiva, CELDA 211 cumple su objetivo y nos estremece desde lo más profundo. Una película lo suficientemente sólida (especialmente en la parte actoral) como para convertirse en una de las pocas propuestas de los últimos años capaz de cautivar, convencer y conmover, tornándose en una película imperdible y no fácil de olvidar...

Lo más sobresaliente: El personaje de Malamadre, interpretado magistralemente por el actor español Luis Tosar.

El Baile de la Victoria se me antojaba desde hace algún tiempo como una película fastuosa, de impecable producción, con todos los elementos necesarios para deleitar los sentidos. Si bien al verla esta premisa se cumple, la verdad es que el film de Fernando Trueba deja una sensación de inconsistencia y desconcierto, sobre todo por la presurosa mezcla de comedia, drama, thriller, lirismo, amor, política y demás, que hacen que este compilado luzca demasiado "apretado" en las dos horas de metraje, restando verosimilitud y fuerza narrativa a la historia.

Al final, esta adaptación del libro de Antonio Skarmeta nos deja, ante todo, un espectáculo visual de incomparable preciosismo en el que la fotografía y la música son los dos ingredientes necesarios (pero no suficientes) para construir una emotiva fábula.

La Mujer Sin Cabeza

La Ciénaga y La Niña Santa son ya películas consagradas, que fascinaron a medio mundo e hicieron resonar el nombre de Lucrecia Martel como figura importante del cine latinoamericano contemporáneo. Sus historias no poseen una narración rápida, ni tampoco muchos diálogos, mucho menos grandes momentos musicalizados o historias con un final feliz (o siquiera un final cerrado). No, el cine de Martel es todo menos eso. Un cine intelectual? Tal vez, pero sobre todo películas que incomodan, se mantienen en la mente por largo rato, trascienden el tiempo y se convierten en favoritas.

Ante esto, y tras un una larga espera, he visto por fin la tercera, la abucheada en Cannes y elogiada en Argentina. El resultado: La Mujer Sin Cabeza es una película 100% Martel. Incluso en esta ocasión el estilo característico de esta Directora luce aún más depurado y preciso, alcanzando una belleza estética en cada plano y escena, producto de un prolífico uso del lenguaje cinematográfico. En cuanto a la narración, en esta ocasión Lucrecia apuesta por un mutismo extremo en el que se sustenta en gran medida el personaje principal de esta película. Si bien en comparación con las dos anteriores, aquellas alcanzan una mayor fuerza en su historia y personajes, esta vez es la idea del desconcierto, la enajenación y la negación las que trascienden, incomodan y hacen que esta película se mantenga en la mente. Conclusión: De alguna manera, Lucrecia Martel, la mujer con cabeza, lo hizo de nuevo.

The Road

En apariencia una película post-apocalíptica más, The Road sobresale por el tono sombrío que atraviesa esta historia de un padre y su hijo en el final de los tiempos. Una narración parsimoniosa que no deja sin embargo de generar un continuo efecto de tensión y desasosiego ante una situación extrema como la presentada, y que recoge, al parecer, gran parte de lo visualizado por Cormac McCarthy en su best seller.

People are strange when you're a stranger
Faces look ugly when you're alone
Women seem wicked when you're unwanted
Streets are uneven when you're down

When you're strange
Faces come out of the rain
When you're strange
No one remembers your name

When you're strange
When you're strange
When you're strange

Digna representante de su época, The Lost Boys evoca por completo a los 80's...y además, por si fuera poco, 'suena a The Doors'...todo un deleite!

Y la ganadora es...

En una ceremonia totalmente deslucida y sin gracia (gran contraste con el evento conducido hace un año por Hugh Jackman) se entregaron los Premios de la Academia 2010. La gran sorpresa de la noche: Avatar no monopolizó los premios como grandes producciones de este estilo lo han hecho anteriormente, incluyendo el propio Titanic de James Cameron. En esta ocasión la industria de Hollywood optó por algo distinto aunque igual de predecible dentro del discurso ideológico norteamericano. Es así que una película bélica acerca de soldados americanos en Irak se impuso como la gran ganadora de la noche, e incluso hizo historia con un primer oscar a una directora de cine (esto a pesar de haber tenido grandes antecesoras que fueron nominadas en su momento).

Por otro lado, y más allá de la algarabía que armó la disputa de los principales premios de la noche por parte de una pareja de ex esposos, la verdadera y más interesante contienda se encontraba, a mi modo de ver, en la categoria más reñidas de la noche: mejor película extranjera. Con grandes competidoras, El Secreto de sus Ojos se alzó con la estatuilla por encima de películas como Un Prophète (Francia) y la mismísima La Cinta Blanca (Alemania). A pesar de la alegría por un premio no solo para Argentina sino para Latinoamérica, debo reconocer que mi apuesta y mi empatía se encontraban dirigidas hacia La Teta Asustada, de Claudia Llosa, por parecerme una propuesta mucho más interesante que la del director Juan José Campanella. En todo caso, bien por el cine de habla hispana y bien por el cine de "bajo presupuesto" que fue reconocido anoche.

Inglorious Bastards

Si bien es entretenido observar como un grupo de judíos arrementen contra Hitler y sus nazis en plena Segundo Guerra Mundial, la verdad es que esta peli emana un fuerte olor a rancio. Una fórmula más que probada por parte de Tarantino que esta vez no alcanza los resultados de películas como Kill Bill y sobre todo la inigualable Pulp Fiction.

En Inglorious Bastards el "estilo Tarantinezco" se convierte, aparentemente, en una extraña mezcla entre Ocean's Eleven, Lethal Weapon y Reservoir Dogs..."sazonado" con un toque de rock and roll, una estructura narrativa en capítulos y alguna que otra dosis de ironía...en definitiva, el sello personal de este director.

Lo sobresaliente: Un Christoph Waltz impresionante en un papel que, a pesar de no tener un final más idóneo, se mantiene como el punto fuerte de esta película.

Gerry...solo Gerry

Grandilocuente, Simple

Incisiva, Sutil

Desafiante, Ardua

Incomparable, Imperdible

Gust Van Sant al extremo...

Where the wild things are

Una fábula como ninguna otra contada por un cineasta contemporáneo como pocos. Spike Jonze recrea en Where the wild things are (Donde habitan los monstruos) una historia tan peculiar como la forma en que este director la ha llevado a la pantalla para el deleite de aquellos que sabrán encontrar en ella su gran valor narrativo y cinematográfico. Claro está que, como ocurre con propuestas como ésta, no todos serán los que la disfruten.

(500) DAYS OF SUMMER

'¿QUÉ ES EL AMOR?'

Después de varios meses en los que casi nada de lo visto provocó en mi la fascinación o el deleite esperados, he comenzado este 2010 con una de aquellas películas que uno sabe de ante mano posee lo necesario para generar ese tan anhelado efecto, casi hipnótico, que hace la diferencia. (500) DAYS OF SUMMER cuenta con los elementos necesarios (incluso algunos que por momentos me recordaron a la Amélie de Jeunet) para hacer de esta NO historia de amor una película que vale la pena ver una y otra vez.